Rubén Cruz vivió en la Ciudad de Tafí Viejo desde su nacimiento hasta los 32 años. Actualmente vive en San Miguel de Tucumán.
Se recibió a los treinta años de Contador Público Nacional en la UNT.
Es socio activo de SADAIC; y cuenta con alrededor de 300 composiciones de las cuales fueron
grabadas más de 150 por distintos intérpretes de nuestro país entre los que se puede citar a
MERCEDES SOSA,
MELANIA PEREZ,
JUAN FALU,
BRUJA SALGUERO,
NATALIA BARRIONUEVO,
GRUPO VOCAL ARGENTINO,
ACASECA,
LUNA MONTI, “
LUCHO HOYOS, “
YUCA CÓRDOBA,
DÚO RENACIMIENTO,
MONO VILLAFAÑE, “
POLLO ROMERO
Y MUCHOS MAS…
Compuso melodías con los siguientes autores:
OSVALDO COSTELLO,
JOSÉ AUGUSTO MORENO,
NÉSTOR SORIA,
PEPE NUÑEZ,
ARMANDO TEJADA GOMEZ,
entre otros…
Además compuso letras para los siguientes compositores;
JUAN FALU,
ROLANDO VALLADARES,
GERARDO NUÑEZ,
BRUNO ARIAS,
PATO GENTILINI,
CARLOS MARRODAN,
PABLO MEMA, “
CHUNI CARDOZO,
LUIS CHAZARRETA,
entre otros…
Editó un libro titulado “De hombres y pájaros (Poemas y Canciones). Y tiene en proceso de edición otro titulado “Los soles del desvelo”.
Tiene los siguientes CDS editados (todos con temas de su Autoría total o parcial):
LA ZAMBA ES TUCUMANA,
TESTIMONIAL,
LUNA DEL MONTE,
LO QUE CANTA EL VIENTO,
CONTRACIELO,
EL FUEGO DE LA CANCIÓN,
MADRE VIDALA ,
ESPEJO DEL ALMA
Y TIENE OTRO EN PROCESO DE GRABACIÓN con temas propios en letra y música.
Es cantautor; su instrumento es la guitarra; lee y escribe música como autodidacta.
Construyo su propia guitarra bajo las instrucciones del maestro Facundo Antonio Leiva.
Fue representando a la Nación a COPIAPO, ANTOFAGASTA DE CHILE Y A CURITIVA DE BRASIL.
Fue distinguido por la municipalidad de Tafí Viejo, Monteros, Alderetes, La SADE, Fundación Julio Zelaya, Colegio de Bioquímicos, Colegio de Grad. en Ciencias Económicas, La Universidad de Chilecito, y actualmente es jurado desde hace 9 años en el festival nacional de Baradero. Es invitado desde hace 8 años al Encuentro de Poetas con la Gente del Festival Nacional de Cosquín.
Los historiadores de este nuevo siglo debemos valorar aquellas faraónicos investigaciones y publicaciones de Juan Alfonso Carrizo, Carlos Vega, Isabel Aretz Thiele, Atahualpa Yupanqui, Leda Valladares. 1910, 1920, 1930, 1940. Estos estudiosos, a comienzos del siglo veinte, sin los medios técnicos que hoy tenemos, sin el conocimiento histórico y geográfico del que hoy disponemos llevaron a cabo y han publicado libros referidos a nuestro acervo nativo: su música, sus instrumentos, personas involucradas, bailarines, trabajos que nos han allanado el camino.
Este libro, “El trovador…”, toma temas y personas que yo busqué, y otros que encontré a lo largo de esta investigación, acercándome al protagonista, respetando la fuente. Concluye siendo una fotografía de la actualidad de la música nativa de la provincia de Tucumán. Estoy muy contenta y satisfecha de haber contribuido a visibilizar a algunos importantes artistas no recordados o ignorados por la mayoría de los medios y por generaciones actuales: Víctor Trejko, Sarita del Cerro, Nolasco Córdoba, Alma García, Adán Choqui, Dalmira Cruz, Ramón Galván y otros.
Remarco, por susupuesto, la importancia de Atahualpa Yupanqui y de los únicos tucumanos que llevaron nuestra música folclórica a todo el mundo: Mercedes Sosa y Los Tucu Tucu.
Sea este libro otra respetuosa contribución para la gran historia de la provincia de Tucumán.
Lucía Mercado - Tucumán - Argentina
Índice:
Agradecimiento
Destino del Canto
Mis paIabras
El Trovador José María Montini
Las danzas en Tucumán
La zamba tucumana
El canto Vallisto
Gerónima Sequeida
Celia Segura de Andrade
Felisa Árias de Balderrama / Andrea Mamondes
Lastenia Aguilar
Irma Guanca de Bordón
Isidora Guanco
Carmen Chaile
Primeros Notorios
José Luis Padula
Duo Vera Molina
Nolasco Cordoba
Federico Nieva/ Lucho Nieva
Marta Mendicute
Alma García
Marta de los Ríos
Margarita Palacios
Sarita del Cerro
Dalmira Cruz
Silvia Quintana
Rolando “Chivo” Valladares
Luis “el Pato” Gentilini
José Augusto Moreno
Los hermanos Núñez
Lucho Díaz Atahualpa Yupanqui Mercedes Sosa Los Tucu Tucu
Carlos “el Chango” Paliza
César “Coco” Martos
Roberto Pérez Manucci
Conjuntos Folclóricos
Las Voces del Norte
Dúo Renacimiento
Luis Soria
Los 5 del Norte
Pedro Favini - Trio San Javier
Tucma Trio
Tucumán 4 - Rubén de la Rosa
Los Arrieros – Santiago Cornet, Fabio Dip
Los puesteros – Camilo José Soaje, Diego Trejo y Julio Cossio
Los Vallistos
Los Paz
Los Albileños
Orlando Galante
Guitarras
Francisco “el Ciego” Pancho Quinteros
Marcelo Véliz
Miguelito Ruíz
Julio Figueroa
Juan Falú
Kelo Palacios
Tomás González y José “Pepe” González
Carlos Hugo “Laucha” Pérez.
Carlos “Zaraza” del Pino
Pianos de Tucumán
Mirian Brizuela: Festivales en Tucumán
Carlos Valdez Toledo: El Bombo Tucumano
Peñas en Tucumán
Coca y Pedro Aredes
Juan Emilio Reslán Capraro
Rubén Urueña
Norberto Alfredo Gurvich, mejor conocido como El Paz Martínez, nació en San Miguel de Tucumán, el 24 de abril de 1948.
Paz Martínez, músico, cantante, autor y compositor, con más de trescientos cincuenta temas de su autoría, grabados por él y por grandes artistas de nivel internacional, tiene ganado un lugar de privilegio en el gusto popular, esto se encuentra avalado, con discos de oro, de platino y doble platino.
Con premios otorgados como autor y compositor en Argentina y Estados Unidos, no es novedad el talento de este creador a quien le grabaron canciones: Paloma San Basilio, Gilberto Santa Rosa, Maria Marta Serra Lima, Manuela Bravo, Estela Raval, Lupita Dalesio, Claudio Basso (ganador en Argentina de Operación Triunfo), Valeria Lynch, Monchy & Alexandra, Sophie, Lucecita Benítez, Guadalupe Pineda, Cano Estremera, Ley Alejandro, Marco Antonio Muñiz, Luis Jara, Miranda, Madonna, que a la hora de grabar en español, convocó a Paz Martínez para que escriba la versión de "You'll see" que quedó registrada como "Veras".
También escribió versiones al español para Paul Anka en un trabajo que este gran artista realizo a dúo(entre otros artistas) con Myriam Hernández, Lucero y Ricky Martin.
El cantante español Django ha grabado sus temas y la historia se repite con su hijo Jordi que se colocó en los primeros puestos en España, Estados Unidos y Latinoamérica con su "Desesperadamente enamorado".
Resulta sobresaliente el hecho de que uno de los más grandes compositores de habla hispana, Armando Manzanero, haya grabado y tenga en su repertorio "Te propongo algo", una canción de Paz Martínez, porque esto afirma una vez más lo importante que es nuestro autor y compositor en el mundo de la música.
Permanentemente le siguen grabando artistas reconocidos a nivel Internacional y otros que recién están dando sus primeros pasos porque saben que grabar una canción de Paz Martínez, es sinónimo de éxito.
Jóvenes cantantes de proyección folclórica de nuestro país han grabado sus temas, como por ejemplo, la inolvidable Tamara Castro y esto es probablemente por el suceso de Los Nocheros con "Yo soy tu río", "Entre la tierra y el cielo", "Un poquito de celos", "Roja Boca", "El amor de mi vida" y "Máma…Mamá".
Luciano Pereyra le ha grabado "Los recuerdos no abrazan", "Amor, donde hubo fuego" y "Como puedes vivir sin mi".
Paz Martínez recibió el premio más importante que se da a los artistas en Argentina: El Martín Fierro, por su canción "Y qué", tema característico de la telenovela Padre Coraje que escribió y cantó ganando el reconocimiento de los periodistas del espectáculo.
Y las distinciones siguen: el año pasado, su canción "Que ironía" interpretada por Andy Andy, ganó en Estados Unidos tres premios Billboard!!! Este año fue convocado para escribir y cantar el tema de la telenovela "Mujeres de Nadie" que se emite por canal trece como la clásica telenovela de la tarde, con una repercusión sin precedente para esa franja horaria.
Discografía
1978: "Así somos" - Trío San Javier - CBS
1979: "2" - Trío San Javier - CBS
1980: "Como no creer en Dios" - Trío San Javier - CBS
1980: "Paisajes de la vida" - Trío San Javier - CBS
1982: "Volver a enamorarte" - Trío San Javier - CBS
1983: "Grandes Éxitos" - Trío San Javier CBS
1984: "Algo de mi para ustedes" - CBS
1985: "Que par de pájaros" - CBS
1987: "Amor pirata" - CBS
1988: "Vivir por ti" - CBS
1989: "20 Grandes Éxitos" - Trío San Javier - CBS
1989: "Preso de tu piel" - CBS
1990: "Nadie me conoce" - CBS
1992: "Cuanto te amo" - SONY MUSIC
1994: "20 Grandes Éxitos" - SONY MUSIC
1997: "El Album de Oro" - SONY MUSIC ENTERTAINMENT ARGENTINA S.A.
1998: "Cada día más" - DESIGN STUDIO
1999: "Mis 30 Mejores Canciones" - SONY MUSIC
2003: "Los Esenciales" - SONY MUSIC ENTERTAINMENT ARGENTINA S.A.
2004: "Enamorado" - DESIGN STUDIO
2004: "De colección" - DISTRIBUIDORA BELGRANO NORTE
2007: "Historia - Grandes Éxitos... Hoy" - DAS PRODUCCIONES
2009: "Los Elegidos" - BMG
2010: "Historia - Grandes Éxitos... Hoy - Vol.2" - DAS PRODUCCIONES
2012: "20 Éxitos Originales" - SONY MUSIC
2012: "Recital en vivo" (DVD) - DESIGN STUDIO
2012: "Secretos" - DESIGN STUDIO
Canciones
Se detallan a continuación algunos de los numerosos temas que forman parte de su producción discográfica (cifra que rondaría un total de 450 canciones):
No sirves de nada
Si me preguntan por ti
Para qué diablos
A fuego Vivo
Qué par de pájaros
Te propongo algo
De tus ojos llueve y llueve
Más, siempre más
Hay un hombre tirado en la calle
Tierna. adolescente y caprichosa
Los recuerdos no abrazan
Una canción para mi amante
Preso de tu piel
Hoy me olvidé tu nombre
Están bailando nuestra canción
Por donde andarán tus ojos negros
Y yo te amaba
Digo que viva el amor
El último en tu piel
Que te dirás mañana
Amor Pirata
Una lágrima sobre el teléfono
Y qué?
Piensa en mi
No me apagues el sol
Amor de mujer
Yo quiero tener un millón de amigos
Cada día más
Salsa y Jazmín
Palabras más, palabras menos
Antes de ti, después de ti
Roja boca
Un poquito de celos
Entre la tierra y el cielo
Que ironía
El guitarrista, compositor y arreglista Julio Santillán nació en Yerba Buena, provincia de Tucumán, Argentina. En el epicentro de su ideario creativo confluyen la esencia de la música folclórica argentina, el ejercicio de la improvisación que anida en el jazz y el rigor académico de la música clásica. En su trayectoria, ha manifestado una constante evolución y una permanente búsqueda de nuevos horizontes artísticos; pero siempre conservando un fino equilibrio con sus raíces musicales y su identidad cultural de origen. Esos conceptos se expresan simultáneamente y con similar claridad en su labor como líder y compositor, productor y arreglista, músico de sesión y pedagogo. A la fecha (2008) tiene editados cuatro álbumes como líder: Desde el Norte de 2001 y Ñann de 2005 junto a Los Changos Trío y Anit Negra de 2003 y El Bosque de la Memoria de 2008, ambos en formato de septeto.
El bosque de la Memoria, su trabajo más reciente, es una cabal representación de los intereses y la orientación cultural de la obra de Santillán. El álbum incluye un ballet en cinco movimientos, canciones sobre poemas de Jorge Luis Borges y un arreglo sobre un preludio de Bach en ritmo de chacarera, entre otros. Cada disco, de único diseño, fue elaborado a mano por la artista Silvia López Chaves; y el título elegido para el disco rinde tributo al parque homónimo creado a petición de la Asamblea por los Derechos Humanos en memoria de los desaparecidos.
Julio Santillán tiene una sólida formación académica. Estudió guitarra clásica en el Instituto Superior de Música de Tucumán bajo la dirección del maestro Pablo González Jasey y se graduó con honores en Classical Composition y Contemporary Writing and Production en el afamado Berklee College of Boston. También estudio improvisación con el legendario guitarrista Mick Goodrick. Además ha grabado más de 30 discos, incluyendo un CD para el libro de Oscar Stagnaro "The Latin Bass Book"; dos álbumes con el Pablo Ablanedo Octet (From Down There de 2001 y Alegría de 2003), cuatro con la cantante colombiana Marta Gómez (Marta Gómez de 2001, Sólo es vivir de 2003, Cantos de agua dulce de 2004 y Entre cada palabra de 2006) y uno con la cantante de tango Katie Viqueira (Amores torcidos de 2007), ganador del Independent Music Award en la categoría de Mejor Álbum de World Music. Además, ha grabado y compartido escenario con músicos de diversos estilos y nacionalidades, tales como Quique Sinesi, Oscar Stagnaro, Livingston Taylor, Raúl Carnota, John Mayer, León Gieco, Diana Krall, Tania Libertad, Bonnie Raitt, Mercedes Sosa, Fer Isella, Mika Pohjola y Pablo Ziegler, entre muchos otros. Otro componente sustancial de su labor ha sido su producción como compositor y arreglista de música para documentales y teatro, la edición del libro “Cinco estudios criollos”, el desarrollo de una profusa actividad educativa que incluye tareas como docente en el Manhattan College y el dictado periódico de clínicas alrededor del mundo. También ha recibido premios y reconocimientos de la Kunstgegen Foundation 2007 Music for Modern Dance Performence, 2004 Meet the Composer/Van Lier Fellowship, el Louis Armstrong Jazz Award, el Arif Mardin Award, el Ascaplus Award, el Contemporary Writing and Production Achievemente Award y la beca BEST de Berklee. Pablo Piccaso dijo alguna vez que “cuando llegue la inspiración me encontrará trabajando”. Frase que, a la luz de lo mencionado anteriormente, parece hecha a medida de Julio Santillán. Y si algo faltaba para completar el rompecabezas, era encontrarnos con un tipo humilde, sacrificado, cálido, apasionado y convencido de su identidad.
Siga leyendo y sabrá por qué, después de la entrevista, salimos convencidos de que al rompecabezas no le faltaba ninguna pieza…
Quiero que me digas en pocas palabras quién es Julio Santillán. Como si fuera un tarjeta personal del tipo “fulano de tal – electricista, gasista, plomero-presupuestos gratis” (risas). Algo simple pero que llame la atención y que a la vez resulte lo suficientemente descriptivo…
Julio Santillán – compositor y guitarrista tucumano de Yerba Buena.
Hablemos de los tiempos en que no tenías tarjeta personal. Tu infancia en Tucumán, tus recuerdos, el descubrimiento de la música, el inicio de un largo viaje…
En Tucumán crecí en Yerba Buena, frente al cerro San Javier. Mi casa estaba rodeada de baldíos. Me gustaba salir del colegio e internarme ahí con mis amigos. Hacíamos chozas en los árboles, cabañas subterráneas, cocinábamos con fuego. Llegamos a inventar un deporte similar al béisbol. Pintamos de colores y construimos unos bates cuadrados cortando unos zancos, preparamos una cancha desmalezando y delineándola con cal, fabricamos una pelota de trapo, formamos equipos y hasta organizamos campeonatos en el barrio. No vengo de una familia de músicos, sin embargo a mi mamá le gustaba poner música clásica. Algunos fines de semana, nos levantaba con “Las cuatro estaciones” de Vivaldi. Mi papá toca la guitarra. Lo de él es el folclore. Le gusta el campo (es ingeniero agrónomo), la naturaleza, el asado, el paisaje. Cuando yo le mostré interés, tenía diez años, me empezó a enseñar zambas y luego chacareras. Al poco tiempo comencé a prestar atención a la música que pasaban por la radio. Me atraía el rock. Me puse a aprender canciones de Charly (García), Fito (Páez) y Spinetta con las revistitas “Canta Rock”. Después mis amigos más grandes me acercaron grabaciones de Los Beatles y de ahí al rock sinfónico: Pink Floyd, Genesis, Yes, King Crimson. Armé mi primera banda y comencé a componer.
Después ingresaste en el Instituto Superior de Música… ¿Sentís que ése fue un paso lógico y natural o una barrera que había que franquear para alcanzar tus sueños?
Para esa época estaba desistiendo de la idea de ser ingeniero eléctrico o carpintero. Sin embargo, como nadie en mi familia es músico profesional, no se me pasaba por la cabeza dedicarme a la música. Me gustaba mucho y, cuanto más me metía, más preguntas aparecían. Tomé unas clases de piano y después comencé a tomar clases de guitarra clásica con Pablo González. Él me abrió la cabeza. Empecé a ver y a sentir la música de una manera más profunda. Pablo me incentivó para que me inscriba en el Instituto Superior de Música que es el único lugar, junto al conservatorio de la provincia, donde se puede estudiar música académicamente. Lamentablemente no pasé el examen de ingreso. Pero después de rogar, llorar y patalear, me aceptaron. Además de Pablo, que enseñaba en el Instituto, tuve un profesor de composición muy bueno: Daniel Robles.
La siguiente escala fue en el Berklee College of Music de Boston. Siempre queda bien en el currículo de un músico haber estudiado en Berlklee (y vos te graduaste con honores); pero, sin la pretensión de desmitificar los resultados obtenidos, quiero que nos cuentes cuáles fueron los sacrificios que representó esa experiencia…
Sí, fue sacrificado… En el ’91 estuve en Estados Unidos como alumno de intercambio. Fui a terminar la secundaria. Ese año decidí que quería dedicarme a la música. Tomada la decisión, apareció el sueño de estudiar en Berklee. Preparé y mandé un demo; me aceptaron, pero mi familia no estaba en condiciones de afrontar los gastos… así que volví a Argentina con la idea de estudiar mucho, ya que no tenía que ir al colegio y presentarme para una beca de Berklee. El momento llegó cinco años después. Habíamos abierto un taller de música popular con unos amigos y uno se enteró que profesores de Berklee iban a dar unas clínicas en Buenos Aires. Pensamos que si asistíamos íbamos a poder cobrar más caras nuestras clases en Tucumán (risas). Yo tenía un concierto importante en un teatro la noche anterior al comienzo de la clínica. Teniendo en cuenta los 1400 km y las 16 horas en ómnibus que nos separan de Buenos Aires, no podía ir. Sin embargo, mi papá juntó unos ahorros y me dio para comprar un pasaje de avión. Cuando llegué a Buenos Aires me enteré de que al otro día había audiciones para becas. ¡Era la oportunidad que había estado esperando por cinco años! Pero cuando leí que había que estar preparados con cierto material y que mis compañeros porteños se venían preparando hacía meses para la ocasión, desistí. Cuando le conté a mi mamá, que ya vivía en Buenos Aires, me dijo que de ninguna manera podía dejar pasar esa oportunidad. Yo le expliqué que no estaba preparado y que ni siquiera había traído mi guitarra. Ella insistió y me dijo que conseguiría una guitarra. Le dije que la inscripción se había cerrado. Ella llamó por teléfono, les rogó, lloró y pataleó hasta que le dijeron que, teniendo en cuenta que yo había viajado desde tan lejos, iban a hacer una excepción. Esa noche nos juntamos con mis amigos y “ensayamos” de palabra, sin los instrumentos, lo que íbamos a tocar para la audición. Al otro día apareció la guitarra, toqué y, de las diez becas que entregaron, cuatro fueron para los cinco tucumanos que nos habíamos presentado. Aunque todavía necesitaba juntar plata para el pasaje y la estadía, yo pensaba ingenuamente que, con la beca en mano, iba a tener respaldo del gobierno o de otras instituciones. Obviamente me equivoqué. Tuve que hacer de todo: trabajé como vendedor en una casa de música, vendí fuegos artificiales en la calle, grabé un casete con canciones mías y me fui a venderlo puerta por puerta, hice recitales, vendí todos los equipos que tenía y finalmente, con un crédito que conseguí un año después, junté lo necesario para ir a Boston. Allá tuve dos años de tranquilidad económica que aproveché al máximo estudiando intensamente. Luego, la plata se acabó y de nuevo, tuve que moverme para poder sobrevivir y pagar el crédito. Empecé trabajando en la recepción de uno de los edificios de Berklee, que era lo único legal que podía hacer con mi visa de estudiante; pero no me alcanzaba el sueldo. Luego hice algunos trabajos ilegales como estacionar autos; más adelante, en el verano, comencé a tocar en la calle y con el tiempo fui armando mi carrera musical. Me preguntaste por los sacrificios y mi respuesta se enfocó en eso, pero fue una experiencia maravillosa, llena también de cosas hermosas.
Elliot escribió cierta vez: “¿Dónde está la sabiduría que hemos perdido en conocimiento, dónde está el conocimiento que hemos perdido en conocer?”. Esa sentencia desde lo poético señala que los caminos del conocimiento y la sabiduría en algún punto se bifurcan. No dudo que el recorrido académico aporta conocimiento pero… ¿hasta qué punto un músico también incorpora sabiduría siguiendo ese camino?
Pienso que uno no va a la escuela para hacerse sabio. Va porque quiere aprender. Sin voluntad de aprendizaje difícilmente se adquiera sabiduría. Las instituciones son útiles. Por lo menos para mí lo fueron en su momento. Aprendí mucho, no sólo de lo que enseñaban, sino también de los compañeros, del trabajo bajo presión, de la disciplina, de lo que no me gustaba, etc. Uno no se hace músico en la escuela, pero eso no significa que la academia nos obstruya el camino. Lo importante es estar atentos y aprender de todo lo que se nos presenta en la vida. En mi caso, yo siempre tuve intriga de cómo escribir para una orquesta. En la escuela me enseñaron cómo se hacía y pude así desmitificar algo que estaba fuera de mi alcance.
Finalmente recalaste en New York. Tucumán-New York no es una ruta frecuente, requiere de tortuosas escalas y es un trayecto extenuante, al menos es lo que aparenta en términos de unión geográfica entre ambos puntos. ¿También tuvo similares dificultades en lo emocional?
Imaginate… (hace una pausa) Dejé todo: mi familia, mis amigos, mi ciudad… pero a la vez estaba bien enfocado en lo que iba a buscar. Llegué con muchas ganas de aprender, de vivir otras cosas. Estaba feliz, con mucha energía; concretando un gran sueño y aparecían otros nuevos. Fue intenso. Por suerte mi familia siempre me apoyó en todo, así que, a pesar de la distancia, me sentí acompañando en todo momento.
Dijo Borges “Cualquier destino, por largo y complicado que sea, consta en realidad de un solo momento: el momento en que el hombre sabe para siempre quién es." ¿En qué momento te diste cuenta quien eras?
Unos días antes de viajar a Boston, iba en el ómnibus 102 conversando con Lucho Hoyos (folclorista de Tucumán). Veníamos hablando sobre el concierto de despedida que yo había hecho hacía unos días en donde había tocado temas propios. Lucho me preguntó: “pero a vos, ¿qué te gusta?” La pregunta hacía referencia a la variedad de estilos que me había escuchado tocar: jazz, pop, rock, clásico, folclore, brasilero, etc… Yo le respondí que “todo”, pensando que si él me estaba insinuando “el que mucho abarca, poco aprieta”, a mí no me interesaba apretar. ¿Para qué limitarse a tocar un solo estilo? Unos meses después estaba en la tierra del jazz estudiando improvisación al lado de los mejores, en una universidad adonde la mitad de los 3000 alumnos eran extranjeros, observando cómo tocaban “samba” los brasileros, como tocaban “ragas” los músicos de la India, etc. Yo entre los 1000 guitarristas, literalmente, no llamaba la menor atención, prácticamente no existía. Hasta que un día, no me acuerdo la razón, hice un rasguido de chacarera. Todos se dieron vuelta y me preguntaron con mezcla de admiración, curiosidad y espanto: “¿qué es ESO?”. En ese momento me di cuenta de que lo que para mí era fácil y natural, para ellos era sorprendente. Haciendo referencia al cuento de Borges que citaste, fue entonces cuando yo, Cruz, me puse a pelear del lado de Martín Fierro. Con el tiempo fui reflexionando más sobre ese hecho. Comencé a buscar adentro mío e intentar descubrir quién era yo realmente. Qué es en realidad lo que Lucho me había preguntado cuando íbamos en el 102.
¿Te resultó fácil adaptarte a Estados Unidos? ¿Cómo se hace para convivir con el hecho de hablar la mayor parte del día en una lengua y pensar o sentir en otra?
Y… claro… no es fácil para nada. Hablando otro idioma se pierde la personalidad. Pero con el tiempo te vas adaptando, incorporando cosas de la cultura ajena que te gustan y reafirmando lo positivo de la propia.
En Estados Unidos (y en otros lugares también) suelen relacionar la música argentina con el tango. ¿Pensás que esa reducción obedece al desconocimiento?
Sin duda. En Argentina hay otras músicas con el mismo nivel armónico, melódico y poético que el tango, que reflejan lo que es nuestro país. El folclore está más ligado a la parte rural, sus paisajes y costumbres; el tango a lo urbano, Buenos Aires. Me parece injusto y parcial que sólo el tango nos represente en el exterior.
¿Por qué el tango obtuvo un privilegio que no logró el folclore?
Ésa es una pregunta que también me hago y todavía no puedo responder. Algunos motivos que se me ocurren: El tango es una música que tradicionalmente se escribe. Se hacen arreglos y partituras. Por lo tanto es más factible que la aprendan y la toquen en otros lados. El folclore se toca “de oído”. Piazzolla y Gardel vivieron en Nueva York. El baile del tango es muy popular internacionalmente… ¿Y cómo reaccionó inicialmente el público al escucharte tocando huaynos, chacareras, zambas, etc.?
Muy bien. En Estados Unidos en general la gente es abierta. Sobre todo en las ciudades más cosmopolitas el público está predispuesto a escuchar cosas nuevas. Tal vez el nivel de vida, sin mayores complicaciones económicas, les da tranquilidad para dirigir su mente hacia otras cosas, como el arte.
Fernando Tarrés nos decía hace poco que en Estados Unidos hay “bloques” y que el músico tiene dos caminos: o se mete en uno o crea uno nuevo. ¿Estás de acuerdo con esa descripción? Te lo pregunto porque Tarrés asegura que crear un espacio propio en Estados Unidos cuesta un huevo y vos lo estás haciendo…
El eje central de Estados Unidos es el sistema capitalista. Todo se mide a través de su poder lucrativo. Todo producto tiene, en menor o mayor medida, un mercado. Para vender ese producto se necesita crear una imagen. Si yo necesito una aspirina me voy a topar con múltiples opciones. Sin tener un conocimiento científico al respecto, seguramente voy a tender a escoger la que esté mejor presentada. Una vez en Cuba entré a una farmacia. Estaba oscura, tenía escasos remedios esparcidos desordenadamente en unas estanterías mal puestas. La persona que me atendió, de mala gana, me acercó la única aspirina que vendían. Nada en ese lugar, desde la falta de pintura en las paredes hasta los tristes frasquitos de medicina con sus nombres escritos a mano, precisaba proyectarme una imagen. Yo no sé si la medicina en sí es mejor en Cuba o en Estados Unidos, pero definitivamente la atención que se pone en exhibirla no existe en el primero y en el segundo cumple un rol fundamental. Una de las cosas que ayuda a crear una imagen, que no se limita sólo a lo visual, es el rótulo. Cuando en música decimos “jazz” o “folclore” estamos describiendo su imagen. Supongo que cuando Tarrés habla de “bloques”, se refiere a eso. Entrar dentro de estos bloques o imágenes creadas te conecta con su mercado. Por eso, si no pertenecés a ninguno… tenés que crearlo. Al parecer, en el sistema que vivimos no queda otra. Yo, sin embargo, reniego contra esa realidad y trato de poner toda mi energía en hacer la mejor medicina posible; que otros se encarguen del frasquito.
¿Quiénes te ayudaron y alentaron a seguir adelante? Me refiero a tus aliados incondicionales, los que siempre están…
Fundamentalmente mi familia: mis padres, mis hermanos, sobre todo Jero que también es músico, mis tíos y mis primos.
Hablemos de tu instrumento. ¿Qué es para vos la guitarra, una herramienta de trabajo, un escudo, un puente?
Y bueno… hablando de aliados incondicionales… En otra vida me gustaría tocar bandoneón; en ésta, estoy feliz con la guitarra. Amo mi instrumento. Compongo el 90% de mi música con las seis cuerdas.
Cierta vez Silvio Rodríguez dijo que tenía por su guitarra un sentimiento muy parecido al amor que se profesa a una mujer. Desde esa perspectiva: ¿alguna vez te divorciaste de una guitarra? (risas)
No, no me divorcié nunca. Pero sí tomo distancia de vez en cuando. Me tomo mis vacaciones y después vuelvo.
Pero uno jamás olvida al primer amor… ¿Seguís conservado tu primera guitarra o sólo es un recuerdo?
No… fue una de las cosas que vendí antes de viajar a Boston. Yo empecé con la guitarra criolla de mi viejo, una Silva (luthier tucumano) del ’72. Cuando comencé a tocar rock, conseguí que me regalaran una acústica blanca. Después me acuerdo que pasé un año pegado a una vidriera obsesionado con una Faim Stratocaster roja. Ahorré dando clases de guitarra y vendiendo cohetes en la calle, como ven lo hacía desde chico, y me la compré. Cuando fui alumno de intercambio en USA, me gasté todo lo que mis viejos me habían dado para ese año en una Ibáñez S540 negra que conservo hasta el día de hoy, aunque la toco poco y nada. Cuando llegué a Berklee tenía en la cabeza el sonido del disco de John McLaughlin “Live at the Royal Festival Hall”. Me compré una Takamine y armé un trío con la misma instrumentación (guitarra con cuerdas de nylon, bajo eléctrico y batería). Es la guitarra que más uso en la actualidad; es un fierro. Cuando comencé a estudiar guitarra clásica, Pablo me dijo que tenía que dejarme las uñas de la mano derecha más largas. En parte porque me las como, en parte porque me gustaba el sonido dulce de los dedos y en parte porque me incomodaba para tocar la eléctrica con la púa, nunca lo hice. Cuando me compré la Takamine, renació mi amor por la guitarra criolla que tenía medio olvidada y, a la vez, fui dejando poco a poco de tocar la eléctrica. Por entonces decidí probar con las uñas largas. Me encantó, sobre todo para hacer rasguidos. Desde entonces toco así. La última guitarra que me compré fue una Estrada Gómez. Es mi guitarra favorita. La uso sólo para grabaciones y conciertos acústicos.
¿Y qué representan para vos tus álbumes? ¿Son como fotos que retratan un momento específico de tu vida o representan algo más dinámico y que sigue evolucionando en escena?
Los discos, para mí, son el fin de un proceso. Un círculo que se cierra. Yo voy componiendo cosas que me van saliendo y de repente veo un concepto, un hilo conductor. Me gusta darle unidad al disco, que la música se interrelacione. Cuando encuentro esa conexión entre un puñado de obras nuevas, ya empiezo a pensar en el disco. Entonces pienso en las composiciones que le faltarían a ese concepto que imagino e intento componer en esa dirección. Cuando tengo el material, lo toco lo más posible hasta que madure. Finalmente lo grabo. Ahí termina el proceso. Cuando llega la hora de presentar el disco, generalmente ya estoy con otra música en la cabeza, pensando en el siguiente…
Tu música, principalmente, se ha expresado en formato de trío y septeto. Además de la mayor o menor amplitud en la paleta de sonidos de que disponés en cada caso y que el trío es instrumental mientras que en el septeto la voz ocupa un lugar protagónico… ¿qué otras diferencias conceptuales hay entre ambos?
Buena pregunta. Para resumir, los dos grupos interpretan mis composiciones, que parten desde la música popular argentina, tango y folclore. El trío tiene un enfoque jazzístico, por lo orgánico y espontáneo que surge a través de la improvisación. El septeto está orientado más hacia lo clásico, por el uso del contrapunto y la orquestación.
El Bosque de la Memoria está dedicado a los desaparecidos. Si bien es cierto que la larga noche de la dictadura hace tiempo que llegó a su fin, ¿de qué manera nos marcó la falta de libertad y hasta dónde es importante para un artista conservar la memoria?
Cuando terminó la dictadura yo tenía 9 años. Así que no me enteré de nada hasta mucho después, cuando empecé a preguntar. Me dolió mucho saber que se habían llevado a mi tío con 20 años, dejando a su mujer y su hijita recién nacida. Hasta hoy veo el dolor en los ojos de mis abuelos, de mis tías, de mi papá y de mi prima. Para colmo, el mismo pueblo tucumano eligió a Bussi como gobernador en los años de democracia. Cuando hace unos meses se lo condenó a cadena perpetua, le pregunté a mi papá que opinaba. Me dijo: “…a Bussi le dieron la oportunidad de defenderse con abogados ante un tribunal; me hubiera gustado que Gustavo tuviera esa suerte.” Siempre me preguntaba “¿qué puedo hacer?” Sentía la necesidad de hacer algo, pero no sabía bien qué. Pensé que siendo músico, lo mejor era escribir música. Decidí componer un ballet. Se estrenó en noviembre de 2005 en el teatro San Martín de Tucumán con la orquesta sinfónica y el ballet contemporáneo de la provincia. Fue muy emotivo. En el público estaban mis abuelos, mi prima (la hija de Gustavo), mi papá, mis tías, etc. Al final se me acercaban personas que no conocía y me abrazaban con lágrimas en los ojos. Me parece importante tener memoria más como persona que como artista. De esa manera no vamos a permitir que ocurran atrocidades como las que nos tocaron vivir en el pasado. ¿Cuáles son tus próximos pasos, tus proyectos futuros?
Estoy por grabar “Un Instante”, un espectáculo que me encargó la Secretaría de Cultura de Tucumán para conmemorar un nuevo aniversario del fallecimiento de Jorge Luis Borges. Va a ser un disco íntimo, con una cantante (Sofía Tosello) y yo (guitarra y voz). Básicamente son canciones que compuse con poemas del célebre escritor. También estoy escribiendo “Aconcagua”, una obra orquestal de diez movimientos. La música estará acompañada por una proyección de cien fotografías que yo mismo tomé durante una expedición al “centinela de piedra”.
Última pregunta: en El Bosque de la Memoria hay una frase que dice: “Podrán cortar todas las flores pero nunca podrán detener la primavera”. ¿No te subleva, a veces, que nos hayan cortado tantas flores?
Creo que la violencia no es un medio que mejore las cosas. Lo que me gusta de El Bosque de la Memoria, que fue la razón por la cual tomé su nombre para el ballet, es que es un homenaje pacífico a los desaparecidos. Es un parque creado por padres y familiares en el cerro San Javier, en Tucumán, adonde se plantaron árboles en memoria de sus seres queridos. Ahí está el arbolito que plantó mi abuela, creciendo día a día. Intenté transmitir ese mismo espíritu con la música que compuse. Si bien es bueno que nunca olvidemos lo que pasó para que nunca vuelva a suceder, no me parece necesario remover dolores y angustias pasadas. Unos días después de que se estrenó la obra, me encontré en la calle con uno de los músicos de la orquesta que era de la generación de mi papá. Me dijo: “¡Julito!, vos sabés que no pude tocar bien tu obra.” Suponiendo que se refería a las dificultades técnicas de la misma, le dije: “Sí, disculpame, es que escribí unas cosas raras…”. Y él me respondió: “No, no eran las notas, eran las lágrimas que no me dejaban ver la partitura…” Esas lágrimas tal vez reflejen la primavera que está en todos nosotros y que por ahí escondimos por miedo, indiferencia o descuido. Me gustaría que podamos aprender de eso y canalizarlo hacia algo positivo, hacia la vida y la paz.
"Opté por largar, por no pensar en el triunfo y el dinero y priorizar a mi familia", señala Carlos Angel "Chango" Paliza, al explicar la razón por la que a fines de los 70 dejó su puesto en Los Tucu Tucu, cuando el grupo ya estaba en la cúspide del éxito.
El "Chango", que el viernes festejará sus 50 años con la música, dice que le costaba alejarse de sus hijos por largos períodos (Los Tucu hacían interminables giras por el país, América y Europa). "Pero al dejar gané el cariño de la gente, aprendí a manejarme mucho mejor musicalmente, y que la vida es hermosa y vale la pena ser vivida. También a amar más al país y a cantarle", señala el autor de "Zafrero" y "Ay niña", entre otros clásicos del folclore que están grabados en el inconsciente colectivo de los argentinos.
Pero haberse alejado de las luces no significó desprenderse de su pasión por la música. "Todavía sigo componiendo, aunque Sadaic no se porte muy bien conmigo", dice, y por humildad se niega a responder cuántas canciones tiene registradas. "Más de 100, y un montón más que no anotó", dice a su lado Lucho Parra, "el payador perseguido", colega, amigo y compañero de aventuras.
"Como autor apunto a la belleza, a nuestros paisajes y a la música que hay en el aire de Tucumán. Siento mucho amor por la tierra y debo agradecerle que me permita pisarla", define Paliza, hoy de 75 años (él prefiere responder "todos", cuando se le pregunta cuantos años tiene).
El músico se sumó a Los Tucu en 1958, poco después de su formación bajo el nombre de Las Voces del Surco. Grabó el primer disco del grupo, y luego otros 15 trabajos. Compartió con sus compañeros discos de Oro, triunfos en Cosquín y reconocimientos y ovaciones en todo el mundo. "No me arrepiento de esos años, porque mi vida con Los Tucu fue hermosa y estuvo llena de experiencias fabulosas", detalla.
Antes, y tras haber estudiado música, formó el dúo Los Forasteros con José Miranda Villagra, hasta que entró a Los Tucu.
El compositor y cantor, especialista en zambas y bagualas, extrañaba su casa, y dejó todo. "Perdí mucho el vínculo con mis hijos, pasaba mucho tiempo sin verlos", señala sobre aquella decisión que tomó en 1977 de despegarse de Los Tucu, y habla con los ojos encendidos de Angel José, Cecilia (cantante) y María Inés, sus tres hijos.
Sin embargo, el "Chango" siguió cantando y tocando la guitarra. Continuó sumando premios y reconocimientos, y junto a los músicos Totino Rocha (percusión), Virgilio Gallardo (bandoneón y arreglos) y Oscar Alvarez (guitarra y voces), editó dos discos y sigue actuando.
Eso le permite conocer qué pasa en la provincia, y el análisis que hace no es muy bueno. "Creo que el folclore está desapareciendo, aunque por suerte todavía hay gente que lo defiende", afirma.
Paliza cree que el principal problema es que los músicos y autores tucumanos están desunidos y que no tienen suficiente apoyo. Pero prefiere no echarle más leña al fuego y no personalizar sus críticas.
Aunque dice que no es quien va a salvar a la música popular tradicional, se siente comprometido con la situación. "Si nos juntamos los que la amamos no va a morir -define-, porque el folclore nos pertenece, es parte de nuestras raíces como argentinos, es como una religión".
"En realidad empecé a cantar y a componer en el 57, y en el 59 grabé el primer disco con Los Tucu. Pero cuento desde el 60 porque fue cuando salió ese trabajo", dice Carlos "Chango" Paliza (a la izquierda en la foto) al explicar la razón por la que festeja ahora sus 50 años con la música. "Bueno, y también para hacerme el chango y redondear los números", aclara entre risas. La celebración se realizará el viernes a las 22 en La taberna de Don Juan (avenida Alem y Rondeau), con la participación de su hija Cecilia Paliza, Lucho Parra, "el payador perseguido", Vidal Cerruti, Luces de Tucumán y la pareja de danzas de Carolina y Gabriel.
"LOS TUCU - TUCU" (Voces del Surco)
Primer Disco, 1960
LXA 7006
01. Al pie de un cardón-zamba-Angel Ariel Petrocelli, Oscar Nicolás Villagrán
02. Vamos coya, vamos-carnavalito-José Alberto Miranda Villagra
03. Vidala de la copla-vidala chayera-José Ignacio "Chango" Rodríguez
04. Ay niña!-zamba-Carlos Angel Paliza
05. Cabalgando-tema norteño-José Alberto Miranda Villagra
06. Chacarera de los novios-chacarera-Hedgar René Di Fulvio Liendo
07. Guitarrero-zamba-Carlos José Di Fulvio
08. Tú eres joya inmensa (Canción a la Madre)-José Alberto Miranda Villagra
09. La descontenta-chaya-Edelmiro del Rosario Mendieta
10. Ay, para Navidad-bailecito-Sergio Horacio Villar
11. Zamba de un amanecer-zamba-Carlos Angel Paliza
12. La canción del jarillero-pregón-Hilario R. Cuadros
Integrantes:
Santiago Marino Jerez: primera voz, segunda guitarra
Héctor Hugo "Gringo" Bulacio: segunda voz, tercera guitarra
Carlos Angel "Chango" Paliza: tercera voz aguda, primera guitarra
Ricardo Benjamín Romero: voz bajo, guitarra rítmica
Gladys Nellys Jimenez nació en San Miguel de Tucumán el 10 de abril de 1965. Hija de Ramón Valentin Jimenez y de Adela Juárez pasando su infancia en Tucumán, junto a sus hermanos Valentin (Chichi), Olga, Graciela, Liliana y Sergio (el menor). Siempre fue una chica muy alegre, que soñaba con tener una familia y trabajar. Amaba la música, por eso cantaba en el coro de la escuela y en todas las oportunidades que se presentaran. Comenzó su carrera profesional en el año 1984, cuando pasó a formar parte del prestigioso grupo de "Tito Juárez", donde cantaba en los coros. Allí conoció y compartió escenario junto a la hija de Tito, quien también fuera solista femenina en la década del 90, Isabelita "La Diosa Tucumana". Luego pasó a integrar "Juancito y su conjunto", donde grabaría su primer disco cantando a dúo. Era un conjunto tropical que tocaba temas de amor, algo al estilo de los Pimpinela, pero tropical. De este trabajo se destaca el tema "Amor Trunco", "Que destape la colita" y "No me vaciles al bailar". Fue entonces cuando un empresario de Tucumán le ofreció grabar como solista, siendo allí una época de grandes desafios para ella. En el año 1986 graba para el sello musical Microfón Argentina S.A. y junto al grupo Juancito y su conjunto el LP "¡Que destape la colita!. Su primer LP como solista se edita bajo el nombre de "La exuberante" en el año 1987 y fue editado por Microfón Argentina S.A. y fabricado y distribuído por Industrias Plásticas Catamarca S.A.. La producción de éste disco estubo a cargo de Miguel Moyano, la producción ejecutiva fue de Daniel Toledo, la dirección musical de Victor Scavuzzo y Sergio Oliva como técnico de grabación. El disco fue grabado en estudios Pira de la ciudad de Córdoba. Su segundo LP como solista llevó el nombre de "Gladys Morena", y conservaba el mismo estilo que el disco anterior, y fue editado en el año 1988 por el mismo sello y con idéntica producción. Gladys luego de grabar estos dos trabajos discograficos, y de ser reconocida no solo en todo el norte argentino sino también en provincias de Cuyo como Mendoza, San Juan y La Rioja, emprendió su camino a Buenos Aires, a donde ya habían llegado noticias sobre una mujer que rompía con todos los esquemas. Fue así como los dueños de la importante compañia discográfica Magenta vieron el furor que causaba esta mujer pequeñita, de mirada cautivadora y cuerpo exuberante, la cual hacia vibrar los escenarios porteños y deleitaba con su excelente voz a todos. Esto provocó que inmediatamente le ofrecieran grabar para su sello, oferta que no pudo rechazar. Como consecuencia de la explosión que provocaba en todos lados donde se presentaba, un locutor de Buenos Aires, Diego Flanery, la bautizó "La bomba tucumana". Asi fue como sobre finales del año 1989 se edita el LP "La bomba tucumana", trabajo discografico que marcó un hito en su carrera y el cual forma parte de los clasicos de clasicos de la Movida Tropical de Argentina. Cabe aclarar que dado el éxito obtenido y el avance de la tecnología digital, este disco fue reeditado en 1992 bajo el título "La pollera amarilla" editado por el sello discográfico Magenta y distribuído por Disgal S.A. y fabricado en Canada. Ese disco vendió mas de un millón y medio de copias, lo cual la ubicó en el primer lugar del ranking en todo el país y tambien en países limitrofes. Con este albúm logro llegar hasta México, en donde fue invitada por Veronica Castro junto a Ricky Maravilla en reconocimiento por el éxito obtenido en la Argentina y los países limítrofes. En 1991 se edita el Lp "La número 1" por el sello Magenta. Este álbum fue distribuído por Disgal S.A. y también fue reeditado en formato digital en el año 1992 y fabricado en Canada. También en 1991 participa de un disco editado por Magenta con temas inéditos de los grandes artistas de la compañía, Increible Vol II, donde comparte ese disco con Miguel Conejito Alejandro, Rodrigo, Daniel Lezica, Pocho la Pantera e Isabelita "La Diosa Tucumana". En este trabajo participa con los temas "Suavecito, suavecito" y "El fieston llego". Este álbum fue distribuído por Disgal S.A. y también fue reeditado en formato digital en el año 1992 y fabricado en Canada. Ya consagrada como toda una verdadera artista, Gladys queda embarazada y es mamá el 9 de junio de 1992 de Santiago Ariel, su hijo, quien le da fuerzas y luz a su vida. Ese año se edita por Magenta el CD "Por el le canto a la vida", distribuído por Disgal S.A. En el año 1992 participa en el VHS "Las reinas de la bailanta" producido y dirigido por José Luis Nanni, grabado en "Estrellas Producciones" y editado por Digital Sound Video (en formato VHS) donde también participaban: Lia Crucet, Marixa Balli, Karina Crucet, Isabelita "La Diosa Tucumana", Noemi Barbero con Fluencia, Lorena Paola, Nancy y Las Guerreras, Las Temibles, Scola Lyon, Bambina, Las Millonarias, Miriam "El Misil Porteño" y Las Boquitas. También en 1992 es editado el compilado de temas inéditos de Magenta "Increible Vol 3", en el cual participa junto a otros grandes como Daniel Lezica, Miguel Alejandro, Javier Anibal, Rodrigo, Dario, Isabelita "La Diosa Tucumana", Almendrado y Los Leales. Gladys graba el éxito "Mi pobre corazón". En el año 1993 sale el CD "No te perdonaré", editado por Magenta y distribuído también por Disgal S.A. Este disco marca como novedad la inclusión de trompetas lo que le da mayor fuerza a la banda, además del estilo clásico de Gladys. También en 1993 es editado el compilado de temas inéditos de Magenta "Increible 4", en el cual participa junto a otros grandes como 7 Lunas, Los Principes, Miguel Alejandro, Los Mirlos, Javier Anibal, Daniel Lezica, Grupo Ternura, Alcides, Grupo Sombras, Cuarteto Imperial, Los Leales y Commanche. Gladys graba el éxito "La Burrita". En el año 1994 el sello Magenta edita el siguiente CD de Gladys bajo el nombre de "La buena onda", también distribuído por Disgal S.A., con arreglos y dirección musical de Héctor O. Nieve, quien también participa en piano, teclados y acordeón, Miguel Angel Tallarita en trompeta y el disco fue grabado en Estudios Panda. En este mismo año, 1994, Magenta edita también el CD "Explosiva", distribuído por Disgal S.A., grabado en Estudios Panda con Luis Leandro como técnico, Luis Perrusi como ingeniero de sonido y mezcla y H. O. Nieve en arreglos y dirección. Participan en éste disco los músicos: Turco en bajo, Coco Barcala en percusión, Granata en trompeta y Dorita Paz, Turco, Sergio Gómez y la misma Gladys en coros. La coordinación general de éste material está a cargo de Juan José Souza. En el verano de 1995 es tentada para hacer teatro en Carlos Paz, y allí encabeza con mucho éxito la obra "Un Verano con Pimienta", donde comparte cartel con Tincho Zabala, Los Gauchos de Video Match, Sandra Dominguez, Susana Torales, Cali Adinolfi, Juan Carlos Kusnir, Jorge Sassi, Gerardo Casas, Alejandro Galvan, Marito Rojas, Jorge Valmont, bajo la dirección de Adrian "el facha" Martel. En el año 1996 Magenta edita el disco "Amor prohibido", distribuído por Disgal S.A., con Tony Gariglio en teclados y programación, Emiliano Bazaes en bajo, Alexis Bazaes en guitarras, Edwin Manrique en percusión, Ramón Solís en percusión y guiro, Sergio Zampa en trompetas, Dorita Paz, Gladys, Tony Gariglio, Ramón Solís y Alexis Bazaes en coros. Los arreglos y dirección musical fueron de Tony Gariglio, como técnico de grabación participó Luis Perrusi y el disco fue mezclado por Luis Perrusi y Tony Gariglio. El disco fue grabado en Estudios "Del padre". En 1998 Magenta lanza el CD "La Bomba Mix", un disco de remixes enganchados de los mejores temas de Gladys. Distribuído por Disgal S.A., el disco fue grabado en Estudio 104 de Buenos Aires, con Rubén "Cacho" Paredes como técnico de mezcla, edición y remixados, premastering de Walls Studio Digital Sound y bajo la producción de Francisco Eduardo Romano Labate. En este mismo año 1998, se edita el siguiente album de Gladys llamado "Miráme así", bajo el sello discográfico Tecnocassette S.R.L., bajo licencia de Eccosound, con producción, dirección y arreglos musicales de Nestor Santurio, con bases grabadas en el Estudio "Del padre" con Luis Perrusi y Daniel Ianniruberto como ingenieros. La grabación de voz y mezcla fue realizada en el Estudio Digiart con Claudio Ravecca y Nestor Santurio como ingenieros, participando los músicos: Coco Silva en tumbadoras y accesorios, Memim Pozu en timbal, Roberto Gammarra en bajo, Sergio Zampa en trompeta, Franco Arroyo, Sergio Gómez y Marcelo Duarte en coros, y participa con voz en rap: Santiago Ariel (hijo de Gladys). En el año 2001, la compañía discográfica Arion Records edita el disco "Con el corazón en mi voz", participando los músicos: Miguel Porras "Chimbote" en timbales, Walter "Neco" Toledo en tumbadoras, guiro, bongó y campana, Eugenio Cruz en acordeón, Agustín "Hilacha" González en bajo, Cristian Díaz en trompetas, Oscar Cush en teclados, arreglos y dirección musical, Santiago Griffo en voz en el tema "Mami querida", Hernán Rodríguez, Dorita Paz, Graciela Jimenez, Sergio Gómez y Gladys en coros. El disco fue grabado en Estudios "Del padre", con Marcelo "Chelo" Mazzetti como técnico de grabación y Oscar Cush y Luis Perrusi en la mezcla. En el año 2004, Magenta edita el CD "Ayer, hoy...y siempre", con 10 temas nuevos y los 12 temas de "la bomba tucumana" reeditados. Gladys ha participado en innumerables compilaciones realizadas por Magenta, como asi también en remixes. Ha cantado a duo el tema "Amiga" popularisado por Ana Gabriel y Vicky Car junto a Luis de La Cumbia, ha participado en el trabajo discográfico de Pocho la Pantera "A cara y a cruz" interpretando el tema "El único que te ama". También participó en el disco inédito - homenaje a Gilda "Un sueño hecho realidad", en el cual interpreta por la magia de la tecnología un duó de "La pollera amarilla" junto a Gilda. En 2006 graba un duo junto a Diego Baiardi del grupo de rock Cruz Maldonado el tema "Preso en mi corazón". En el año 2010 graba un nuevo disco bajo el nombre de "No hay vuelta atrás", en el cual se destacan temas bailables y pegadizos, con varias novedades entre ellos un cover versión cuarteto de un tema de Los Beatles, y un tema inédito en el cual en los coros Gladys realiza un falsete con su voz. Este material discográfico no es editado ya que a Gladys no le convence como ha quedado el trabajo final, y decide no lanzarlo al mercado. Gladys ha llegado a contabilizar mas de 7 discos de Oro, 8 discos de Platino, 6 de Doble Platino, 1 Triple Platino y 1 Cuádruple Platino por "La pollera amarilla". Además hay que sumarle 4 premios ACE consecutivos, una nominación para los Premios Konex, 1 Premio Gardel, Clave de Sol, y diversos premios en todo el país y en el exterior, asi como una infinidad de nominaciones. Ha concurrido infinidad de veces a programas tan prestigiosos como "La Movida" de Verónica Castro en Mexico, como a Videomatch, El Show de Video Match y Showmatch de Marcelo Tinelli, Hola Susana y Susana Gimenez de Susana, Almorzando con Mirtha Legrand, y casi todos los programas de la televisión argentina y tambien del exterior, siendo una de las pocas cantantes de su género que logra traspasar los límites del ambiente tropical para pasar a ser una de las cantantes mas afamadas de la Argentina y paises limitrofes. Gladys Jimenez, Gladys la bomba tucumana, es asi como se puede definir a una artista que logró conquistarle el corazón a todos con su voz y su carisma indiscutidos, y que logra traspasar las barreras del género.
Carlos Alberto Sánchez Bordón nació en Tucumán y es un cantautor de nuestro folclore. Inició su carrera como primera voz en el grupo salteño "Los Nocheros de Anta". En 1973 se incorporó al inolvidable grupo "Los Tucu Tucu" en reemplazo de Cesar "Coco" Martos, quién se retirara para formar parte del trío "Los de Siempre". Luego del descenlace dramático del grupo (el 7 de septiembre de 2007) y después de un largo proceso de recuperación retoma el camino del canto pero ya como solista. En 2010 edita su primer disco solista titulado "El amor es la vida". En 2012 lanza su segundo disco solista titulado "Homenajes" donde incluye canciones propias homenajeando a Mercedes Sosa, Tucu Tucu, Chango Paliza, Argentino Luna, Los Quilla Huasi, Horacio Guarany, Sandro, entre otros. A fines de 2014 edita "Emociones" un disco compuesto por 22 canciones, donde incluye el Himno a San Miguel de Tucumán. Carlos Sánchez es compositor de grandes éxitos de Los Nocheros, Los Tucu Tucu y Luciano Pereyra entre otros tantos. Ha compuesto mas de 1000 temas.
Omar Hasan nació en Tucumán, Argentina, el 21 de abril de 1971. Desde pequeño manifestó su predisposición natural para el deporte, y es en esa ciudad donde comenzó a jugar rugby en el club Natación y Gimnasia. Rápidamente se hizo conocer como un jugador excepcional. Integró el seleccionado tucumano como pilar derecho y más tarde el equipo nacional de Argentina, Los Pumas (64 caps), en forma ininterrumpida hasta su retiro, luego de coronarse en el privilegiado tercer lugar, en el último Mundial del año 2007.
De Tucumán, siguiendo el camino de su pasión rugbística partió solo, dejando su terruño de provincia y familia, para afrontar el desafío de jugar en países potencia en este deporte, como Nueva Zelanda, Australia y finalmente por más de 10 años en Francia. Las ciudades y equipos de Auch, Agen (5 temporadas) y finalmente Toulouse (Stade Toulousain, por 4 temporadas), lo vieron luchar, con su número 3 en la espalda, en el máximo nivel en la categoría profesional. Con este Club fue campeón de Francia y de Europa.
Aún hoy, establecido en Toulouse junto a su familia, con sus botines, sus premios y medallas al costado, no deja de transmitir su experiencia sobre las generaciones de jugadores jóvenes del club Stade Toulousain, que lo vio retirarse en el año 2008.
Como si todo esto no fuera suficiente, Omar es un apasionado del canto. Difícil de imaginar que la rudez de su carácter y la integridad de su fuerza para el scrum, conviviera con la serenidad y dulzura del arte de cantar. Se inició en Tucumán integrando el coro universitario.
Una vez en Francia, descubrió el canto lírico a través del barítono Jean Francois Gardeil, desplegando inmediatamente las cualidades y calidad de su voz. En el seno del grupo “Les chants de Garonne”, participó en diversas producciones líricas: como en la opera King Arthur de Purcell en su debut en el rol de Comus,La belle Helene de Offenbachen el rol de Ajax II y más recientemente en Operas bíblicas: en el rol de Jephte en la ópera del mismo nombre, de Carissimi, así como también en una producción ,adaptación de la opera Carmen de Bizet, ”Autour de Carmen” en el rol de Escamillo.
Se presentó además en una serie de recitales en distintos festivales líricos y de música del Sudoeste de Francia,, en el mes de Julio del año 2009. Recibió elogios en la prensa, por la exquisitez de su voz y por la forma en que involucró y participó al numeroso público presente, en la solemnidad de las naves de diversas catedrales.
Omar estudió en el Conservatorio Superior de canto de Toulouse, siendo actualmente alumno de Jane Berbie, una de las grandes mezzosopranos francesa de su época.
Como no podía estar ausente, en homenaje a su país natal, y a la ciudad francesa que hoy habita, desplegó otra de sus virtudes por la canción, incorporando el tango en su variado repertorio, brindando en Francia numerosos espectáculos con la audacia de de su creación, acompañado por el pianista Roger Pouly,conocido entre otras cosas por haber sido aquel que acompañó Charles Trenet durante mas de 20 años.
Omar, incansable en su búsqueda por brindar su voz a todo público, acaba de realizar durante el mes de febrero, una serie de conciertos con el apoyo del teatro del Capitole de Toulouse, en una maratón de cuatro recitales en 3 días, con un rotundo éxito.
Su nombre se seguirá escuchando por años, como referencia del rugby en Argentina e internacionalmente, y seguramente la prensa comenzará a reemplazar los titulares deportivos que le dedicara otrora, dando paso a su nueva y difícil realidad, sus conciertos de ópera lírica, y a los éxitos de este barítono, que ya comienza a encumbrarse.
Nació en Tucumán el 9 de Julio de 1977, desde muy temprana edad comenzó su pasión y vocación por la música. Con apenas 8 años comenzó sus estudios de Guitarra con el maestro José María Montini, un año más tarde forma parte del Coro de Niños de Yerba Buena, bajo la dirección del Maestro Raúl Masino.
En el año 93 su destino y su suerte cambiarían, fue becado por la prestigiosa cantante Uruguaya Laura Varela ya radicada en Tucumán, allí tuvo sus primeros conocimientos sobre la técnica del canto, precisamente lírico, y el comienzo de un nuevo mundo por descubrir, La Opera.
En el año 2003 parte a Buenos Aires a tomar clases de canto con el Maestro Ricardo Yost, solista del teatro colon, actualmente fallecido, paralelamente a este estudio tomaba clases de Solfeo con la maestra Marcela Toyos.
En el año 2004 se presenta en una audición del Director musical Pepe Cibrian y queda seleccionado para hacer el coprotagónico Basil Halward en el Musical Dorian Gray el Retrato; dicho musical de la dupla Cibrian Mahler inspirado en El libro del escritor Oscar Wilde, Axial durante tres meses estuvo, estuvo en Marquesina en el teatro Opera, en el estreno se llevo las mejores críticas de Los matutinos La Nación y Clarín, luego llego la gira por todo el país.
Nació en Tucumán el 25 de Noviembre de 1978. A los 9 años, inició sus estudios de canto en el Coro de Niños de la Universidad Nacional de Tucumán, desde 1987 hasta 1990, bajo la Dirección de la Mstra. Lucía Vallesi y luego con la profesora María Eugenia de Chazal. A partir de allí continua su formación en el Coro de Niños del Col. Salesiano Gral. Belgrano, hasta el año 1991.
A los 17 años ingresa al cuarteto vocal folclórico, Los Sureños, recorriendo el país y Sud América, consiguiendo reconocidos lauros a nivel Nacional, como el 2º puesto en el concurso de canto vocal del Festival Nacional de Baradero, Bs. As., así como actuaciones en las localidades de Cosquín y Jesús María (ambas de la provincia de Córdoba), la -Mención Especial de Cultura de la Embajada Argentina en Brasil- y concreta la grabación de un CD denominado -tucumanos-, producido y distribuido por el sello discográfico internacional, Sony Music, para todo el país.
Continúa sus estudios de canto en el Conservatorio de Música de la Provincia de Tucumán, bajo la tutela de la Mstra. Elsa Paladino quien siembra en él, su interés por el canto lírica. Fue alumno de las Mstra. Viena Francone y Valeria Albarracín.
En 2010 editó su primer CD como solista, -Amarte Así-, teniendo gran repercusión en Tucumán y el norte Argentino.
Integra la agrupación de cantantes FRA TENORI desde 2009, abocados a la interpretación de canciones líricas y populares.
En 2010 creó el Grupo QUATTRO, finalistas del reconocido programa televisivo TALENTO ARGENTINO. Cerraron el 51° Sept. Musical con la Orq. Estable de la Prov. bajo la batuta del Mstro Jeff Mannokian, recorrieronel país y Sud América; presentaron su CD en el Teatro Ópera de Bs. As.Ha compartido escenario con cantantes de la talla de Juan Rodó, Diego Torres, Luciano Pereyra, Myriam Molina, Oscar Imhoff, Cynthia del Carril, entre otros.
Durante 2013 ha presentado su 2do. material discográfico, -Piensa en Mí-, bajo la dirección musical del Mstro. Dany Vilá. Conforma el dúo de Tenores "Los Juan" junto a Miguel Marengo, transitando Argentina, Bolivia y Paraguay. Paralelamente cursa sus estudios de Notariado en la UNSTA.
Nació en Tucumán en 1958. Comenzó a cantar en la secundaria en el coro de la Escuela Normal y se ganó una beca en la prestigiosa Juilliard School, de Nueva York, pero su madre no la dejó ir.
Añós después se fué a Buenos Aires y fué corista de Valeria Lynch furante un año y medio, después de pasar por un duro casting. Renunció al staff para abrirse camino como solista, se casó y tuvo tres hijos, se separó y volvió a Tucumán, donde además de trabajar como secretaria de un abogado siguió dedicandose a la música, hasta que sus hijos se hicieron grandes y pude dedicarse completamente a la música.
Villafañe nació en Tafí Viejo y empezó a cantar siendo un niño. En su carrera ganó el Pre-Festival del Limón en 1974, y un año más tarde participó en el programa Argentinísima. En 1976 integró el grupo Vocal Tafí, formado en su ciudad natal, con el que obtuvo importantes premios y distinciones. Su primer disco llegó con el nuevo siglo, en 2000, y estuvo destinado exclusivamente a la difusión de la poesía y la música de tucumanos. Entre los discos de Villafañe se destacan "Copla y viento", "Canto puro" y "Ecos de Yupanqui".
En sus propias palabras: "...En su gran mayoría, prefiero temas tucumanos, porque tenemos poetas de la calidad de José Augusto Moreno, Lucho Hoyos o Rubén Cruz; porque acá nació la mejor cantante del mundo, como fue la negra Mercedes Sosa y acá vivió 15 años Atahualpa Yupanqui. No tenemos necesidad de pedirle prestado nada a nadie, y yo no puedo vivir lejos de esta tierra. Alguna vez estuvimos con Lucho en Berlín como un mes, y a los 10 días ya quería volverme a ver los cerros y comer una milanesa napolitana con papas..."
"...Para mí, cada zamba o chacarera que interpreto le debe dejar un mensaje a la gente, debe hacer pensar. Por ejemplo, ahora vamos a tocar un tema de un muchacho muy joven, Dardo Solórzano, que se llama “Legüero macho” y que encierra una gran sabiduría..."
A los ocho años comencé a tocar guitarra de la mano de mi padre. Poco después, mi maestro de quinto grado Juan Walter me ayudó a afianzar estos primeros pasos en la música.
Mi primer escenario fue ocupado en 1963. Por entonces estudié dos años con el maestro Martín Ventura pero tocaba “de oído”, como hasta hoy. Aquel escenario fue una tortura pues entre el público se encontraba mi padre, escuchando atentamente para ver si estaba en condiciones de seguir el camino de su hermano Eduardo Falú. Eduardo era un artista mayor y un mito familiar. Me costó asumir la pesada herencia. Acabé refugiándome en mi “oído”, en las guitarreadas con amigos y en la noche, alejándome por completo del estudio académico. Así dejé de aprender muchas cosas y asimilé muchas otras, sobre todo que la música aprendida y tocada en reuniones es arte vivo y pleno de emoción.
Poco tiempo después conocí a Jorge Cardoso. Nació una amistad genuina y duradera y Jorge se transformó en la influencia decisiva para asumir la guitarra y la composición con la mayor seriedad posible. Casi veinte años después de conocernos me enseñó a escribir mi propia música. Ese aprendizaje fue decisivo para conocer elementos imprescindibles del lenguaje musical.
Con el ingreso a la Facultad de Filosofía y Letras, donde obtuve el diploma de Psicólogo Clínico, me sumé a la militancia revolucionaria argentina y a las luchas de los años ´70, que costaran grandes duelos a mi generación. Exiliado en Brasil, retomé allí la música con un lenguaje propio que fue el resultado de mi propia maduración personal. Habían pasado casi 10 años en que la guitarra se situó en un segundo plano. Empecé a componer parte de las obras que más satisfacciones me produjeron, como “Chacarera ututa” y “De la raíz a la copa”. Residiendo en Brasil (San Pablo) incorporé elementos de su música que,de manera espontánea y no programada, fueron integrándose a mis composiciones de música argentina. Entre los años ´78 y ´80 me incorporé en Brasil al grupo Tarancón e inicié mi primera gira europea en el ´82, gracias al apoyo de Jorge Cardoso y el luthier español Manuel Contreras. En este período nació también mi amistad con Pepe Núñez, decisiva en lo personal y lo artístico. Pepe representa un paradigma de la ética y la estética. Con sus letras inicié mi labor de compositor de canciones. Luego, con el tiempo y hasta hoy, compuse canciones con Jorge Marziali, Roberto Yacomuzzi,Horacio Pilar, Carlos Herrera, Ramón Navarro, Pancho Cabral y otros poetas argentinos.
Con el retorno de la democracia en Argentina, regreso en el año ´84. En 1985 se edita “Con la guitarra que tengo”, íntegramente con obras propias. En ese Larga Duración me honró que su tapa contenga un diseño del gran artista Hermenegildo Sabat, que ilustra este sitio web. Luego aparecen sucesivamente los discos, cassettes y Cd´s que pueden consultarse en Obras/Discografía Propia.
Del `85 en adelante empieza a reconocerse mi condición de compositor y guitarrista. La opinión de prensa que más me halagaba entonces era: “puede sonar viejo y nuevo a la vez” Esta condición es la que más me interesa plasmar y suelo representarla en el árbol como símbolo que contiene raíces y frutos.
En los `90 ya estaba instalado, por los medios de comunicación, como “referente” de la música argentina de raíz folklórica. Conocí a Ricardo Moyano, otro artista fundamental en mi vida.
Integré, desde los ´90 hasta hoy, dúos insoslayables en mi vida artística, con Hilda Herrera, Jorge Marziali, Chito Zeballos, Marcelo Moguilevsky y Liliana Herrero, todos artistas que merecen mi más alto respeto.
Ofrecí centenares de conciertos en Europa, Asia, África y las tres Américas, a través de casi treinta giras internacionales, siempre interpretando la música argentina de raíz folklórica que, por otro lado, es mi único repertorio. (Conciertos y Recitales/Internacionales)
Luego de un período casi artesanal de composiciones y sobre todo de arreglos de las mismas, entre 1980 y 1990, empecé a disfrutar de las versiones libres y de las improvisaciones en mis conciertos. Llevo, en esta condición, casi 15 años de “desarreglar” obras, y me propongo retomar el camino del arreglo y la correcta escritura de mis composiciones, para dejar de hacer sufrir a quienes desean interpretarlas.
En el 2000 el gobierno argentino, a través de la Secretaría de Cultura de la Nación, me distinguió con el Premio Nacional de la Música. A pesar del desapego que uno generalmente manifiesta por ciertas formalidades, ese premio lo vivo como un verdadero reconocimiento a mis ya 41 años de actividad artística.
En el 2002 Classical Guitar me dedica su tapa y una extensa nota, tal como ocurriera antes con “Guitarra y Laúd”, la publicación alemana.
En mayo del 2005 fuí designado miembro del Directorio del Fondo Nacional de las Artes.
Desde 1995 dirijo artísticamente el Festival Guitarras del Mundo, un gran encuentro en todo sentido, que constituye uno de los halagos principales de mi vida con las seis cuerdas.
Llevo 20 años tocando con guitarras de Francisco Estrada Gómez, el gran luthier argentino que hizo sonar bien a por lo menos tres generaciones de guitarristas.”
Franco Fagioli nació en San Miguel de Tucumán, Argentina en 1981. Recibió clases de piano en el Instituto de Música de Tucumán y siguió estudiando canto, primero en su ciudad natal y luego en el Instituto Superior de Arte, la academia de formación para jóvenes cantantes en el Teatro Colón de Buenos Aires. El momento decisivo en la carrera del joven intérprete dotado de un talento impresionante llegó en octubre de 2003, cuando ganó el 10º Concurso Internacional de Canto “Neue Stimmen” de la Fundación Bertelsmann. Fagioli confirmó enseguida la naturaleza excepcional de su talento con una serie de importantes debuts operísticos. Encarnó con gran éxito al personaje protagonista de Giulio Cesare de Haendel en la Ópera de Zúrich en 2005 y desde entonces ha hecho suyo el papel de César en producciones presentadas por la Ópera Nacional Noruega (2007), el Festival Haendel de Karlsruhe (2008) y la Ópera Nacional Finlandesa (2012). En 2007 hizo su debut en el Festival de Pentecostés de Salzburgo bajo la dirección de Riccardo Muti y recibió una acogida calurosísima (el Neue Zürcher Zeitung se refirió con entusiasmo a su “centelleante interpretación”) cuando regresó al teatro en 2014 –por invitación de Cecilia Bartoli– para interpretar un programa de arias virtuosísticas escritas por Rossini y Meyerbeer para Giambattista Velluti, el último gran castrato. A finales de 2010 ofreció conciertos junto a Cecilia Bartoli en Londres y Bruselas y ha trabajado frecuentemente con ella desde entonces, de manera notable en la primera grabación mundial del Stabat Mater de Agostino Steffani.
La versatilidad y el virtuosismo de Fagioli se mostraron en total plenitud en 2012: en su debut en el Festival de Verano de Salzburgo mostró las ricas regiones más graves de su voz en el exigente papel de Andronico en Tamerlano de Haendel. En el otoño, entretanto, asombró a público y crítica por igual con sus interpretaciones en Nancy como Arbace en Artaserse de Leonardo Vinci, un papel concebido para un castrato soprano que cantó posteriormente en varios importantes escenarios europeos, incluido Versalles (y que ya había grabado anteriormente en CD y DVD). El año siguiente cautivó al mundo de la música con el álbum Arias para Caffarelli (“[...] la facilidad y la agilidad casi sobrehumana con que ataca algunos de los grandes números de bravura son sencillamente deslumbrantes”, comentó The Guardian). Las obras incluidas en el álbum, escritas originalmente para el castrato estrella italiano Caffarelli, estaban consideradas por muchos como incantables. En los últimos años Fagioli ha aparecido en una serie de álbumes de óperas completas, incluidas las primeras grabaciones mundiales de Siroe de Hasse (como Medarse) y Catone in Utica de Vinci (como César) para Decca, y La concordia de’ pianeti de Caldara para Archiv Produktion. En julio de 2015 Fagioli se convirtió en el primer contratenor de la historia que firmaba un contrato con Deutsche Grammophon. Su nueva relación acaba de dar su primer fruto con la publicación de Orfeo ed Euridice de Gluck y progresará en 2016 con la publicación de un álbum de arias a solo.
Fagioli hizo su presentación en Estados Unidos a comienzos de 2010 con una interpretación triunfal del papel protagonista de Giasone de Cavalli para el Teatro de Ópera de Chicago. “El sensacional contratenor Franco Fagioli [...] su timbre es dulce pero pleno, y sus maneras suaves y varoniles hacen que resulte creíble el efecto devastador que produce Jasón en las mujeres”, observó el Chicago Tribune. “Estamos viviendo en una nueva edad de oro del canto de contratenor y Fagioli es uno de los motivos que lo explican”.
En el Festival Haendel de Karlsruhe, donde aparece de forma regular, Franco Fagioli recibió críticas entusiastas por su interpretación de Ariodante en 2010. En 2014 y 2015 cantó allí el personaje protagonista de Riccardo Primo de Haendel. Su reputación como uno de los mejores cantantes haendelianos de la actualidad se vio reforzada por sobresalientes interpretaciones de papeles como Poro para el Festival Haendel de Halle, Teseo en la Staatsoper de Stuttgart y Bertarido en Rodelinda para el Festival della Valle d’Itria en Martina Franca. Esta última interpretación, que supuso el comienzo de una fructífera colaboración con el director Diego Fasolis, dio lugar a que la revista italiana L’Opera nombrara a Fagioli “Cantante del Año”. En 2011 se convirtió en el primer contratenor que recibía la más alta distinción musical de Italia, el Premio Abbiati, después de treinta años.
A finales de 2014, Fagioli hizo su debut en la Royal Opera House, Covent Garden, en el papel de Idamante en Idomeneo de Mozart. Su temporada 2014-2015 prosiguió con interpretaciones de Catone in Utica, presentada de gira con el grupo Il pomo d’oro de Riccardo Minasi en Wiesbaden y Versalles. La producción se ha repuesto recientemente en el Festival de Bucarest y podrá verse en el Theater an der Wien como pórtico de una temporada en la que está previsto que Fagioli una fuerzas con Il pomo d’oro para ofrecer recitales en el Wigmore Hall de Londres y el Rudolfinum de Praga. En 2016 volverá al Festival de Pentecostés de Salzburgo de Cecilia Bartoli para cantar el personaje de Romeo en Giulietta e Romeo de Nicola Antonio Zingarelli.
"[…] Fagioli provoca una impresión fascinante; el timbre realmente excepcional del contratenor argentino le permite dibujar gradualmente y de un modo acariciante una línea de diez minutos de duración, deslizándose suavemente hacia el registro más grave para luego ascender con absoluta pureza hasta las alturas, el símbolo de una libertad que se ve amenazada, pero que acaba alcanzándose en última instancia. El impacto es incluso más deslumbrante en los pasajes de coloratura a modo de fuego graneado que hacen que se luzca su sensacional tesitura de tres octavas a una velocidad vertiginosa”.
Süddeutsche Zeitung sobre una interpretación de Catone in Utica, junio de 2015
Hace falta ser un artista especial para brillar en las arias diabólicamente difíciles que constituyen la esencia del paisaje de la ópera barroca y de los primeros títulos belcantistas. Franco Fagioli posee la necesaria combinación de agilidad técnica, variedad tímbrica y amplitud de registro vocal que se necesitan para triunfar en obras que dejan perplejos a innumerables contratenores. El arte asombroso del cantante de origen argentino ha sido aclamado por los críticos de todo el mundo y atrae regularmente a públicos que llenan las salas deseosos de oír a un intérprete con el don de poseer una rara capacidad para ejecutar las espectaculares escalas, saltos y grupetos de las obras de lucimiento virtuosísticas de mayor dificultad.
“Fagioli es un intérprete absolutamente cautivador, tanto en [...] grandes piezas proclives a lucirse, donde su atletismo vocal es sorprendente, como en números más lentos y más íntimos”, señaló The Guardian de Londres en la crítica de su grabación de arias escritas por Nicola Porpora, el famoso profesor de canto y compositor del siglo xviii. Otros críticos han alabado la “legendaria sutileza” del contratenor, su “prodigiosa agilidad, su registro de tres octavas y su enorme despliegue de colores vocales”, así como sus “ráfagas de coloratura y sus audaces descensos en picado”. No es de extrañar que figure entre los mejores cantantes de la actualidad, estando cada vez más solicitado en los principales teatros de ópera, salas de concierto y festivales de todo el mundo. En la última década ha trabajado con directores del máximo calibre: Rinaldo Alessandrini, Gabriel Garrido, Nikolaus Harnoncourt, René Jacobs, Marc Minkowski, Riccardo Muti y Christophe Rousset entre ellos. También colabora regularmente con Il pomo d’oro y Riccardo Minasi.
Néstor “Poli” Soria es autor de más de cien temas junto con otros muchos grandes artistas
"Poli" Soria (se llama Néstor Hipólito) dice que el suyo fue un camino de música y literatura. "Yo he nacido en ese ingenio azucarero que está al este de Famaillá que se llamó Nueva Baviera -cuenta-. Mi padre fue un trabajador de la salud ahí, y uno de los primeros en llegar. Yo he crecido entre peladores de caña y obreros del ingenio. Tomé la primera guitarra a los 12 años, pero no había quien me enseñe. Aprendí a afinarla. Después pude copiar algunos acordes de esos cantores rudimentarios que frecuentaban los fogones de la zafra. A los 16 años ya tenía un cúmulo de canciones que interpretaba. Fue el momento en que cerró el Baviera..."
Su padre vendió los utensilios de su oficio y esperó cuatro años para cobrar su jubilación. Le confesó a su hijo que ya no podría alimentarlo, que debía marcharse a buscar trabajo en la ciudad. Sin un peso en el bolsillo, a "Poli" la suerte lo llevó hasta la peña de Orlando Galante, donde el recitador evaluó sus dotes artísticas y lo contrató para actuar todas las noches. Más tarde formó un dúo con Alfredo de la Cruz y anduvo por festivales de todo el país. Pero el primer poema suyo que dio a conocer lo escribió cuando tenía 40 años. "Todo lo que hice antes lo destruí porque sabía que le faltaba contenido, que estaba sacando palabras ajenas de otras canciones y no lograba encontrar lo mío", recordó. Le mostró a Rolando "Chivo" Valladares el poema que escribió para su abuela, Vital Pedraza, y el compositor se ofreció a ponerle música. Después hicieron otra zamba, "El Liguero", y con Luis "Pato" Gentilini, "La Calladita". Con Rubén Cruz, la "Zamba a la Randera", "Don Comegente" y "Comadre Dora". Integró el grupo Arraigo, conoció al jujeño Alejandro Carrizo, con quien hizo "Jujuy mujer" y "Lavandera chaguanca".
Los poemas de Néstor "Poli" Soria tienen nombres de personas. Historias de gente que se han convertido en canción. Él dice que el canto es el mejor destino de un poema, porque queda grabado en la memoria del pueblo.
Influenciado por una region representada por la zamba, la vidala, la chaya, el joi-joi, la cueca, la chacarera, y el canto ancestral de las copleras, le canta a los miedos, al amor, la esperanza, a la marginacion, la alegria, en fin... a ese cumulo de emociones que permiten cristalizar canciones en casi todas las formas musicales de su region, su pertenencia.
Trata siempre de construir, intentando sacar a la musica de ese concepto estatico, trabajando por un sentido mas libre, jugando al limite de las posibilidades para su proyecto, cuya unica pretension es ser el fiel reflejo de una idiosincracia, una manera de sentir, la del tucumano, la del argentino del norte.
Sigue a continuación una recopilación de todo lo que encontré sobre su carrera, y que creo dice poco si se compara simplemente con escucharlo cantar
1976 - Ganador del Primer Premio como solista del Certámen "La Canción de los Barrios"
1982 - Forma el Grupo Ritual con los músicos Coco Nelegatti y Federico Falcón. Música Latinoamericana.
1983 - Inicia su carrera como docente en forma privada en la ciudad de Tucumán.
1984 - Como compositor gana un concurso organizado por la "Peña El Cardón”, para compositores del NOA, con su zamba “Clamor de Lluvia”.
1985 - Crea el Grupo Contemporáneo de Folclore, de importante trayectoria en la región.
1986 - Comparte escenario con figuras como Fito Paez, Juan Carlos Baglietto, Lalo de Los Santos, Juan Falú, Los Hnos. Nuñez, etc. Recorre escenarios del país, además de localidades del interior de su provincia.
1988 - Gana en el Festival de Cosquín (Córdoba), como compositor con la zamba “Lavandera Chaguanca” (Alejandro Carrizo/Nestor Soria/Lucho Hoyos) y como solista vocal con una personal versión de la zamba “Luna Tucumana” ( Atahualpa Yupanqui.)
1989 - Crea el grupo “Lucho Hoyos y los tres o más”
1990 - Concreta su primera grabación solista “Luna Tucumana" donde versiona composiciones de autores tucumanos.
1992 - Crea su formación musical mas de “ruptura”, con el músico Luis Gómez Salas pianista.
1994 - Crea el Grupo integrado por Luís Gómez Salas, piano y Eduardo Isa Osman, batería.
1996 - Es invitado por la Universidad de La Rabida (Sevilla, España) a realizar una gira de 2 meses por la región de Andalucía ,actuando en las ciudades de: Huelva, Moguer, Palos de la Frontera, Rociana y Sevilla. Alli comparte ciclos culturales y escenario con artistas de la talla de Raymundo Amador, Alejandro Sanz, Julio Bocca, Carmen Linares y Missia (fado portugues).
1996 - Graba el CD Yocavil editado en Michigan, USA. Con amplia repercusión en el público y la crítica especializada de Buenos Aires. Realiza Gra a España, con presentaciones en Andalucía junto a los artistas Raymundo amador, Julio Bocca, Alejandro Sanz, Carmen Linares.
1997 - Crea un trío acústico de guitarras con los músicos Ariel Alberto y Omar Flores, presentándose en distintos puntos del país con excelentes críticas.
1998 - Graba el CD Bicho de Ciudad con un concepto de sonido eléctrico.
1998 - Crea su mas lograda formacion con los guitarristas: Carlos Carrizo, Ariel Alberto y Omar Flores. Con ellos y como solista comienza a participar del Festival Internacional “Guitarras del Mundo”, del cual es designado su director artístico y es organizado por el músico Juán Falu.
1998 - Realiza su primer disco en formato pedagógico para niños en norteamérica, del cual se venden 7000 copias en Michigan - USA.
1999 - Se presenta en Capital Federal como parte de un ciclo organizado por Raúl Carnota, participando con Liliana Herrero, Juan Falú, Jorge Marziali y Coplanacu, en el Centro Cultural Borges
1999 - Organiza el Festival "Guitarras del Mundo" en Tucumán con artistas locales, de Cuba, España y USA
1999 - Realiza su primera grabación en vivo del concierto realizado en el
Centro Cultural de la U.N.T. con los músicos Carlos Carrizo (guitarra) y
Adrián Pourrieux (bombo)
1999 - Es invitado por Mercedes Sosa a compartir escenario en su regreso artístico a Tucumán, en un multitudinario espectáculo en el estadio del Club San Martín ante 20.000 personas.
2000 - Es invitado por la Universidad de Bercklee (Boston - USA) a dictar una clínica de música para sus alumnos y docentes. Actua en las ciudades de Cambridge, Boston y Nueva York. Este mismo año realiza su segundo disco para niños en Michigan.
2000 - Presenta un disco dedicado a la obra del músico Pato Gentilini como primera etapa de un tríptico sobre autores indispensables del folclore regional (Chivo Valladares, Pepe Nuñez)
2001 - Es convocado al “Latin Jazz Festival” (Bostón - USA) compartiendo mesa panel y escenario con figuras como: Paquito D´ Rivera y lo mas reconocido de México, Brasil, Colombia, Cuba y EEUU.
2003 - Lleva a cabo uno de sus más preciados sueños, presenta en el Teatro San Martin de la ciudad de Tucumán un espectaculo integrado por sus composiciones acompañado con una Orquesta de Camara formada por oboe, fagot, clarinete, flauta, piano, guitarras, percusion, violines, viola y violoncello. Este mismo espectáculo fue presentado también en Córdoba y Neuquén.
2005 - Graba su último disco "Encuentro", un dúo de guitarra y batería con el músico Franco Giovos.
